Todos lo hemos visto. La película comienza su tercer acto y nuestro héroe está por enfrentarse al reto de su vida, pero antes debe someterse a un riguroso entrenamiento, un rito de paso que lo preparará para su cita con el destino. Pero, ¿cómo comprimir este largo y arduo proceso en dos o tres minutos, para que la audiencia no se aburra? ¡Preparen el sintetizador, que por ahí viene un “montage”!

Sí, dentro de la larga lista de clichés del cine, el “montage” tiene un lugar especial en mi corazón. ¿Cómo puede uno evitar emocionarse al ver a Rocky Balboa entrenando para la gran pelea? ¿o a Daniel LaRusso abriéndose paso en el torneo de Karate contra los Cobra Kai’s? ¿o Maverick y Iceman volando hacia la zona de peligro? Bueno, este último no tanto, ahora que sabemos que Tom Cruise es el tipo más creepy de todo Hollywood, pero ustedes captan la idea.

A estos efectos, he recopilado algunas de las canciones clásicas de estos montajes. Como podrán ver, prácticamente todas son de los años ochenta, la década que el arte del “montage”, como muchas otras cosas, alcanzó su cumbre de charrería (y, por lo tanto, cuando más sublime fue).

Mix: Homenaje al “Movie Montage”:

Si no lo puede ver aquí, escúchelo directamente en imeem. Muchas de estas canciones sólo aparecerán como clips de 30 segundos; puede crear una cuenta gratis en imeem para escucharlas en su totalidad.

También aquí tienen vídeos de los montajes para la mayoría de estas canciones:

Si no lo puede ver aquí, véalo directamente en Splashcast.

Las Canciones:

1. Montage (Trey Parker) - Nadie se tripeó el “montage” mejor que los creadores de South Park, Trey Parker y Matt Stone, en la película Team America: World Police… “Show a lot of things happening at once / Remind everyone of what’s going on / And with every shot you show a little improvement / To show it all would take too long / That’s called a montage (montage!) / Even Rocky had a montage (montage!)”. Excelente.
2. Scarface “Push it to the Limit” (Paul Engemann) - Sorprendentemente, la cinta Scarface tiene uno de los montajes más clichosos de todos los tiempos; solamente escuche la letra de la canción. Me gustaría saber si los raperos de hoy, con su extraña e incomprensible fascinación con la película, se atreverían a poner “Push it to the Limit” en sus radios.
3. Gonna Fly Now (DeEtta Little) - El tema de la Película Rocky. Ninguna lista de montajes estaría completa sin esta canción clásica, y todos recordamos a Rocky corriendo y entrenando en las calles de Philadelphia.
4. Eye of the Tiger (Survivor) - El tema de Rocky III, en donde Balboa se enfrenta al notorio Clubber Lang (Mr. T) con la ayuda de Apollo Creed.
5. Rocky IV Montage - Rocky entrenando en Rusia para enfrentarse a Ivan Drago. Mientras el ruso utiliza lo último en tecnología, Rocky se entrena halando vagonetas y alzando leña. ¿Y recuerdan al final de esta secuencia? Rocky llega al tope de la montaña y grita “¡Drago, Drago!”. ¡Ja ja!
6. Danger Zone (Kenny Loggins) - Kenny Loggins, ese baluarte de la esencia varonil, interpreta el tema de la cinta Top Gun.
7. Far from Over (Frank Stallone) - El tema de la película Staying Alive. Como ven, los “montages” aplican perfectamente al despiadado mundo del baile en Broadway.
8. You’re the Best Around (Tony Esposito) - Uno de los montajes más famosos. En la cinta The Karate Kid, Daniel San, con la ayuda de Mr Miyagi, se enfrenta a los Cobra Kai’s en el torneo del valle. “¡Bárrele la pierna, bárrele la pierna!”
9. Winner Takes it All (Sammy Hagar) - Tema de la cinta Over the Top, también con Sylvester Stallone.
10. Fight to Survive (Stan Bush) - Jean Claude Van Damme, qué nos hubiéramos hecho si tí. En la cinta Bloodsport, Van Damme participa en el peligroso torneo ilegal Kumite.
11. Chariots of Fire (Vangelis) - Otra de las clásicas historias de triunfo, Chariots of Fire. En 1983, la película National Lampoon’s Vacation famosamente satirizó esta canción, en la escena que los Griswolds finalmente llegan a Wally World, sólo para encontralo cerrado.

También incluí algunas canciones que no son de películas específicas, pero que funcionarían perfectamente para un montage:

12. The Final Countdown (Europe) - La canción más charra que no vas a poder sacar de tu cabeza por el resto del día.
13. Dreams (Van Halen) - Sammy Hagar tenía un cierto afecto por las canciones edificantes con letras “cheesy”. La tradición continuó cuando entró en Van Halen (ver también la canción Right Now).
14. On the Loose (Saga) - “No one can stop you now, tonight you’re on the loose…”
15. We are the Champions (Queeen) - Nada mejor para terminar que con la banda más teatral del rock.

Por último, no olvide este mix para su próxima rutina de ejercicios, aeróbicos o corrida de maratón.

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Como fanboy confeso de Tarantino que soy, pueden imaginarse lo emocionado que estoy por el nuevo proyecto que el director está realizando junto a Robert Rodríguez. El resumé de Tarantino es impresionante y harto conocido (Reservoir Dogs, Pulp Fiction, Jackie Brown y las Kill Bill), y sus colaboraciones con Rodríguez en el pasado han sido excelentes (ayudó en Sin City y From Dusk Till Dawn fue un clásico instantáneo del terror). Ahora ambos se han unido nuevamente con la cinta Grind House, a estrenarse en abril del 2007.

El Tráiler:
Si no puede ver el vídeo aquí, véalo directamente en Youtube. También pueden ver una versión divx de alta definición:

Noten el look “barato” (a propósito) de la cinta. Tarantino y Rodríguez están haciendo homenaje a las cintas de terror y de explotación de los años setenta y tempranos ochenta. Este es el tipo de películas de bajo presupuesto que abrazaban el sexo y la ultraviolencia en géneros absurdos tales como los zombies, mondo, caníbales, mujeres en prisión y el llamado “blaxploitation”, entre otros. En Estados Unidos, estas películas típicamente se exhibían en localizaciones llamadas “Grindhouse Cinemas”, por eso el título.

La película se compone de dos historias: Planet Terror, una historia de zombies dirigida por Rodríguez, y Death Proof, un slasher dirigido por Tarantino. Las cintas cuentan con las actuaciones de Kurt Russell (que tiene amplia experiencia en el “trash cinema” como protagonista favorito de John Carpenter), Rose McGowan con una ametralladora como prótesis en su pierna, Rosario Dawson y Tom Savini, el legendario maquillista de los zombies de Romero, Friday the 13th y múltiples películas de terror.

Para continuar el homenaje a los cinemas grindhouse, entre ambos segmentos se presentan avances para varias películas falsas. El artículo de Wikipedia menciona lo siguiente:

Tarantino ha dicho que habrán avances falsos para una cinta blaxploitaton, una cinta kung fu, una sexploitation y una spaghetti western. Tarantino confirmó que él estará dirigiendo el tráiler de la “cinta” sexploitation Cowgirls in Sweden. En una entrevista con Danny Trejo, el actor dijo que aparecerá en un avance titulado They Call Him Machete…Fangoria ha confirmado que Rob Zombie está filmando un tráiler falso titulado Werewolf Women of the S.S. [seguramente una oda al cine de explotación nazi], donde aparecerá Nicholas Cage como Fu Manchu [!!!]. Eli Roth [amigo de Tarantino y director de Hostel] contribuye el avance de una cinta slasher titulada Thanksgiving.

Wau. Definitivamente un evento para los amantes del terror y el bajo presupuesto. No puedo esperar.

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Un vistazo al historial fílmico de John Carpenter nos revela que su carrera como director está tan llena de triunfos como de fracasos. Por cada obra genial como Halloween hay un fiasco como Ghosts of Mars. Por cada sublime clásico del “pop trash” como Big Trouble in Little China hay uno mediocre como Escape from LA. Es definitivo, su récord ha sido casi tan inconsistente como el de las adaptaciones fílmicas de Stephen King, y eso es decir mucho.

Ah, pero cuando lo hacía bien era genial, y no hay mejor ejemplo que su obra maestra The Thing de 1982. La trama: En la tundra de la Antártida, un perro huye de varios hombres que le disparan desde un helicóptero. El perro se refugia en un apartado campamento norteamericano de investigación científica. Los perseguidores, miembros de un campamento noruego aledaño, continúan disparándole de manera casi irracional. Uno de los noruegos se vuela a sí mismo con una granada y el otro recibe un balazo mortal de uno de los norteamericanos. Intrigados con la insistencia de los noruegos en matar al perro, los americanos deciden ir a su campamento a ver qué sucede.

Cuando llegan allí encuentran que el campamento está en ruinas y no hay signos de vida. Lo único que encuentran son los restos quemados de varios miembros del campamento, y lo que queda de una excavación profunda en el hielo. ¿Qué desenterraron los noruegos? Volviendo al campamento esa noche encuentran la terrible respuesta: el perro se transforma en una horrible criatura con un gran apetito y con la capacidad de transformarse en una réplica exacta de cualquier animal o humano que mata. Ahora los integrantes del campamento deben matar al organismo extraterrestre, pero ¿cómo saber quién es humano y quién es “la cosa”?

Esta capacidad de mutación de la criatura es el toque maestro de la película. El hecho de que cualquiera de los integrantes del campamento pueda ser “la cosa” crea un ambiente de pura paranoia. Todos desconfían de todos pero nadie puede sobrevivir por su cuenta. Tampoco pueden huir (¿a dónde podrían escapar en la Antártida?). Carpenter exitosamente logra transferir estos sentimientos al espectador con recursos hitchconianos que aumentan nuestra tensión (estén pendientes a la escena de la “prueba de sangre”, que tiene que ser una de las escenas mejor logradas en la historia del cine de terror). Mucho se ha dicho de la cantidad abundante de “gore”, sangre y efectos especiales, que en mi opinión fueron excelentemente realizados y bienvenidos, pero es la tensión de la trama lo que de veras eleva esta cinta al nivel de un clásico.

En un artículo anterior mencioné el caso de Jaws de Steven Spielberg. La trama es tan buena y la cinta tan bien ejecutada que treinta años después nos sigue atrayendo, no importa si la hemos visto veinte veces y ya el tiburón no nos da miedo. Este definitivamente es el caso de The Thing. Ahora sólo espero que la secuela que están planificando no dañe el legado que dejó la original, como casi sucede con Jaws (Jaws 3D y Jaws IV: The Revenge, ugh).

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1980: La víctima corre por un bosque oscuro y desolado huyendo del asesino maniático. La víctima tropieza y cae al suelo, lo que permite que el asesino finalmente la alcance. La víctima grita desesperadamente. El asesino levanta su cuchillo. Cambio de escena.

2005: La víctima está atada con cadenas a una silla en un cuarto oscuro y mugroso. En una mesa a su lado hay una colección de instrumentos quirúrgicos, navajas afiladas, tijeras, un taladro de precisión, todos en metal brillante, impecable. La víctima mira a su alrededor mientras se da cuenta poco a poco de la situación precaria en la que se encuentra, y comienza a gritar y vomitar a la vez que entra en la habitación un hombre vestido en lo que parece ser un atuendo de cirujano con fetiche de látex. La víctima grita en agonía mientras el torturador utiliza los instrumentos en diferentes partes de su cuerpo. Todo el proceso de tortura se presenta paso a paso, en completo detalle.

La segunda escena describe una de las secciones de la cinta Hostel (2005), del director Eli Roth. La diferencia entre ambas escenas es típica de un nuevo género de cine que ha surgido recientemente en Hollywood, que David Edelstein de la Revista New York apropiadamente llama “Pornografía de Tortura” (”Torture Porn”). Mientras los “Slasher Flicks” de los ochenta se concentraban en el suspenso de la persecución, esta nueva generación de cintas en vez prefiere enfocarse en la carnicería que viene después.

La tendencia se ha visto en películas de años recientes como Saw (2004), High Tension (2003), House of 1000 Corpses (2003) y su secuela The Devil’s Rejects (2005), ambas del rockero Rob Zombie, y alcanza su pico con Hostel y Wolf Creek (2005), probablemente la más sádica del grupo. También tengo entendido que el “remake” de The Hills Have Eyes (2006) sigue este patrón, pero no la he visto aun. En todas la violencia gráfica alcanza niveles que previamente no se habían visto. En muchos casos en los que veía la película en mi casa, me encontraba dándole pausa a la cinta y tomando descansos para “aliviarme” de lo grotesco de algunas escenas. Nada divertido.

Como siempre, este género no es una invención completamente original del cine norteamericano. Luego que Hollywood encontró una mina de oro rehaciendo “ghost stories” originales de Japón (Ringu/The Ring, Ju-On/The Grudge, Honogurai mizu no soko kara/Dark Water), era cuestión de tiempo antes que empezaran a recibir influencia de las propuestas más violentas del cine de horror asiático. Este es el género de películas lidereado por Takashi Miike y otros directores que llevaron el “gore” a niveles sin precedentes (Miike, de paso, hace un “cameo” en Hostel). Créame, usted no ha visto violencia hasta que no haya visto cintas como Audition (1999), Ichi the Killer (2001) y Three…Extremes (2004). El “torture porn” americano no es una copia directa de las ultraviolentas asiáticas, pero mi predicción es que hacia eso es que se mueven.

En un artículo anterior titulado Sobre la Violencia en el Cine hacía una distinción entre la violencia “hueca”, que es aquella que se presenta de manera estilizada e inverosímil a propósito, como una forma de insularnos de la misma, y la violencia “fuerte”, que es aquella que se muestra en toda su crudeza y que produce en el espectador un sentido de tristeza y desesperación. En el caso de la violencia fuerte siempre nos queda la duda de si el cineasta está utilizando este recurso como una manera de llevar un mensaje, como es la controversia acerca de Irreversible, de Gaspar Noé. Muchas de estas cintas del nuevo cine de terror están caminando esa línea muy fina entre mensaje y explotación, otras sencillamente no piden disculpas por intentar “divertirnos” con sus espectáculos grotescos. De paso, si usted cree que las audiencias en general rechazan este tipo de diversión, piense de nuevo; la gran mayoría de ellas han sido rotundos éxitos taquilleros.

Por otro lado hay quienes aplauden a estos cineastas por “subir las apuestas” y tratar de cruzar esa última frontera del verdadero terror. En un mundo donde la gente vive insensible ante la violencia, el único terror que verdaderamente nos afecta es aquel que es creíble, grotesco y tangible. Como bien dice Edelstein en su artículo, Mel Gibson probó este punto con nada más y nada menos que La Pasión de Jesucristo.

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“Pueden ser cadáveres que caminan, esclavizados por un maestro Vudú para hacer trabajos. Pueden aparecer como esclavos cuyas mentes son controladas por científicos, extraterrestres, o alguna otra fuerza maligna. Se les puede representar como cuerpos reanimados poseídos por poderes demoníacos. También pueden ser los restos animados de miembros de civilizaciones antiguas, que buscan vengar la profanación de sus tumbas. Y, más popularmente, pueden ser muertos vivientes que se alimentan de la carne de otros. Una palabra se usa para describir a todos estos seres: el zombi.”

- De la introducción al Zombie Movie Database

Desde hace varios años me he vuelto un verdadero fanático de las películas de zombies. Como mencioné en un artículo anterior titulado Sobre la Violencia en el Cine, esta obsesión se ha dado gracias a Netflix y los P2P, que hacen posible conseguir una cantidad de películas raras y de bajo presupuesto, cine que jamás usted verá exhibiéndose en su teatro más cercano ni en las góndolas de su tienda de vídeo.

¿Qué tienen de especial las películas de zombis? Se me hace difícil explicarlo. La realidad es que estas películas pueden ser un gusto adquirido, y su apreciación de ellas dependerá totalmente de su tolerancia al cine de bajo presupuesto, horrenda actuación (en muchas aunque no en todas) y el “gore” abundante. Estas características, sin embargo, son las que le dan ese toque especial, la charrería (”campiness“) que las hace tan malas que son buenas. En efecto, mis películas favoritas de zombis, más que aterradoras suelen ser emocionantes y hasta graciosas, como mencioné en el artículo de la violencia en el cine.

Ahora bien, la línea que divide las películas que “son tan malas que son buenas” de las que son simplemente malas es muy fina. A menos que usted tenga mucho tiempo que perder le ruego que no se siente a ver una película simplemente porque dice “zombie” en el título. Créame que he visto muchas malas de verdad. Es por eso que aquí le presento una guía que le debe servir como introducción al mundo del buen cine zombi.

Primero que nada, una excursión en el mundo de las películas zombi debe comenzar por las esenciales, y por lo tanto usted debe empezar con la cuadrilogía de los muertos de George Romero: Night of the Living Dead (1968), Dawn of the Dead (1978), Day of the Dead (1985) y Land of the Dead (2005). Esta serie de cintas es el estándar sobre el cual se debe juzgar cualquier otra película de este tipo; después de todo, George Romero literalmente inventó el género moderno del zombi, y creó muchas de las “reglas” del mundo de los muertos vivientes. Anteriormente escribí un artículo titulado Los Muertos Vivientes de George Romero, que ve en detalle las películas en esta serie.

Es de notar que Night of the Living Dead se encuentra en el dominio público y usted puede descargarla gratuita, legalmente y en su totalidad a través del Internet Archive.

Los muertos vivientes de Romero han inspirado algunas versiones nuevas de sus películas. Aquí cabe destacar el “remake” de Night of the Living Dead de 1990, dirigida por el famoso maquillista de la cinta original, Tom Savini. Esta versión es bastante buena considerando que rehacer un clásico nunca es fácil. En este caso Savini inteligentemente utiliza nuestro conocimiento de la original para darnos unos “twists” interesantes en la trama. También es importante destacar la versión del 2004 de Dawn of the Dead que, aunque no tiene ningún tipo de asociación con George Romero, es una excelente adaptación y en general una tremenda película de zombis.

Tampoco podemos hablar del mundo zombi sin mencionar al segundo maestro del género Lucio Fulci. Este director italiano es uno de los mayores exponentes del llamado “Eurotrash” y “Giallo”, cine de explotación reconocido tanto por el sexo y la violencia como por la mala actuación y mal doblaje. Por supuesto, estos no son impedimentos para una buena cinta de zombies, y Fulci creó algunas de las mejores, incluyendo Zombie (1979), que fácilmente compite con las mejores de Romero y que, lejos de ser una imitación barata, añade una cantidad de elementos interesantes (sólo mire la escena en que un zombie lucha contra un tiburón real bajo el agua). De Fulci también recomiendo The Beyond (1981), que añade una buena dosis de gore y una trama surreal. City of the Living Dead (1980), a pesar del gore, es un poco aburrida y solamente la recomiendo para aquellos que ya han visto otras mejores. Zombi 3 (1988) es mejor ya que sigue una trama más parecida a Zombie.

Algunas películas del género que también recomiendo:

• 28 Days Later (2002): La película que revivió el género para el siglo 21 y que introdujo el concepto de los “zombies que corren”. Escalofriante y efectiva.
• La trilogía Evil Dead: Evil Dead (1981), Evil Dead II (1987) y Army of Darkness (1993) son de lo mejor y más divertido del género, ya que alternan entre el terror puro y la comedia de golpe y porrazo.
• Comedias Zombie: Shaun of the Dead (2004) es una comedia absolutamente esencial para cualquier fanático de zombis porque hace parodia de todas las “reglas” de las películas del género. Return of the Living Dead (1985) también es muy graciosa y verdaderamente “ochentosa”. Enter…Zombie King (2003) mezcla a los muertos vivientes con la lucha libre mexicana (¡!).
• Dead Alive (1992): ¿Sabía usted que antes de Lord of the Rings y King Kong Peter Jackson era un director de películas “ultragore” de bajo presupuesto? Dead Alive, también conocida como Braindead, es una mezcla de comedia y terror y es probablemente la película más sangrienta en la historia del cine, y no exagero. Al igual que Evil Dead II, la comedia se impone por mucho sobre el terror, así que los galones de sangre no nos afectan mucho.
• Asia: Japón y Hong Kong últimamente se han convertido en las nuevas capitales del cine de terror y, por supuesto, no podían faltar las películas de zombis de esta región del mundo. Dos excelentes son Bio Zombie (1998) y Junk (2000). Ambas son homenajes directos a George Romero.
• Otras independientes: Estas son películas que redefinen “low budget” pero que son entretenidas. The Dead Next Door (1988), es malísima en la actuación pero tiene buena acción y maquillaje. En Dead Meat (2004) los zombies surgen cuando la enfermedad de la vaca loca se transmite a los humanos; hasta aparece una vaca zombi.
• Burial Ground:Nights of Terror (1981): Una cinta italiana que más que los zombis (que no están mal) se conoce por algunas escenas super extrañas entre una madre y su hijo. El actor que interpretaba la parte del niño era en verdad un adulto, y resultaba más “creepy” que los mismos zombis.

Otras que no son tan buenas:

• Undead (2003): Una película que empieza muy bien, pero de la mitad en adelante se daña completamente.
• Zombis Españoles: La Noche del Terror Ciego (1971) y El Buque Maldito (1974) son dos cintas españolas dirigidas por Amando de Ossorio. Aunque los zombis pueden a veces dar bastante miedo, las películas resultan un tanto aburridas. Tampoco hay nada de gore.
• Resident Evil (2002) y Resident Evil: Apocalypse (2004): Aunque no están tan mal, estas son más películas de acción que de terror.
• Otras que usted debe evitar a toda costa: Day of the Dead 2: Contagium (2005), Oasis of the Zombies (1983), Rise of the Undead (2005) , Zombie Lake (1981), Shock Waves (1977), House of the Dead (2003), Living dead Girl (1982)

Puede mantenerse al día en los acontecimientos del mundo zombi en All Things Zombie y leer más reseñas de películas en el Zombie Movie Database.

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A aquellos que son fanáticos del cine de contenido y que les gusta pasar los fines de semana en casa les recomiendo el excelente programa En Cinta, que se transmite todos los sábados a las 9 PM por el canal 6 de la televisión puertorriqueña (TuTV). En Cinta es una mesa redonda donde se analiza a fondo una película diferente en cada programa. De la página web de Tu Universo Televisión:

La Fundación Puertorriqueña de las Humanidades auspicia este programa co-producido por Roberto Gándara Sánchez, del Centro de Investigación y Política Pública de la Fundación Biblioteca Rafael Hernández Colón, y WIPR-TV.

Rubén Ríos Ávila modera este formato que no tiene precedentes en la televisión usual. Cada programa comienza con el resumen de una película y luego se pasa a un diálogo con tres invitados, diferentes en cada programa, sobre los temas que provoca el filme. El resumen y la discusión se complementan con escenas de la película, por medio de una cuidadosa edición.

No se trata de reunir un grupo de críticos de cine a hablar exclusivamente de técnicas, de valores de producción o de la calidad de tal o cual actuación. No se trata de un programa de reseñas de cine. En Cinta aspira a más. Para cada programa juntamos a tres interlocutores apasionados con un moderador, porque les interesa el tema de esa película en particular, porque ese tema posee una trascendencia de gran peso para nosotros como pueblo y como parte de la comunidad mundial.

Las películas que discuten no siempre son desconocidas para el público general; en programas recientes han analizado filmes tan famosos como American Beauty, Blade Runner y Amores Perros. Otras cintas que han explorado recientemente son The End of the Affair, Ragtime, Chinatown, High Noon y muchas más. El resúmen que dan al principio del programa es útil y permite disfrutar del análisis sin tener que haber visto la película con anterioridad.

La fortaleza del programa es que los invitados analizan la cinta a fondo, con una profundidad que ya no se ve en la televisión puertorriqueña ni norteamericana. De hecho, el programa dura una hora y no tiene pausas comerciales, lo que ayuda en la continuidad. Es un excelente antídoto a la televisión “a la carrera” de hoy, que no toca un tema por más de tres minutos y tiene que irse a pausa comercial cada cinco. También veo que el programa corre en paralelo con un curso universitario relacionado.

Pensando en el fenómeno de los vlogs (video blogs), los sitios web de vídeo como iFilm y Channel 101, la televisión por Internet y la cola larga, se me ocurre que este programa es un candidato idóneo para ofrecerse a través de la red. Ya que el contenido de un programa como éste no “expira”, sería interesante poder rebuscar y descargar programas pasados. Además imagino que el programa se produce sin fines de lucro, y una distribución a través de la Internet le ayudaría a encontrar su nicho, una audencia mucho mayor (pero mucho más enfocada) de la que pueda tener ahora.

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En estos días estuve viendo la excelente cinta española Cría Cuervos (1976), de Carlos Saura, que mira en varios niveles los efectos de la dictadura de Franco y la transición de España hacia la democracia. A diferencia de historias como La Fiesta del Chivo, que se preocupan más por los eventos históricos, Saura se enfoca en la vida privada de una familia militar de la época. En este caso la familia es una alegoría de la situación española: el patriarca corrupto y represivo que muere al principio representa el régimen de Franco, mientras Ana (Ana Torrent), la hija de este general fascista, representa la sociedad española que, tras la muerte del dictador, debe construir un nuevo futuro, pero el lastre de un pasado violento y represivo hará de ésta una tarea difícil.

Uno de los aspectos más interesantes de este filme es cómo el director nos logra mantener completamente envueltos en la historia a pesar de lo poco que ocurre en la trama. De hecho, si a usted le irritan las películas contemplativas donde “prácticamente no ocurre nada”, es posible que esta no sea la película para usted. Por otro lado, la cinta es absolutamente efectiva en meternos en la mente de Ana. Es verdaderamente escalofriante ver cómo estos sentimientos de odio y deseos de venganza le pueden suceder tan naturalmente a una criatura tan inocente. Escalofriante sí, pero sorprendente no, tomando en cuenta cómo la niña ha visto al padre abusar constantemente de la madre, llevándola literalmente a la muerte. ¿Podrá levantarse España? En ese momento histórico Saura da una respuesta pesimista: la violencia sólo puede generar violencia. Cría cuervos y te sacarán los ojos…

Esta es una de esas películas donde el montaje de cada escena -ángulos, enmarque, luces, colores- tienen un significado importante dentro de la alegoría. El site Cinergía contiene una excelente página que analiza varias de las escenas desde un punto de vista técnico. Además contiene una serie de enlaces, lecturas y preguntas de discusión que pueden ayudar a entender los temas centrales.

Por último, Cría Cuervos cuenta con una de las canciones tema más cool que he escuchado en mucho tiempo. La canción se llama Porque Te Vas, original de José Luis Perales e interpretada por la cantante Jeanette. Aquí se las dejo para que la escuchen:

Jeanette - Porque Te Vas

Últimamente he encontrado una afinidad por el cine de terror, especialmente el cine de bajo presupuesto de los setenta, los zombies, y el llamado “EuroTrash”, o cine de explotación europeo, principalmente italiano. Esta obsesión ha sido posible gracias a Netflix y al Internet, que me permiten conseguir películas que ni en mil años estarían disponibles en Blockbuster Video o en otras tiendas reconocidas. Cabe señalar, para aquellos que no están familiarizados con el cine de la época, que desde finales de los sesenta hasta principios de los ochenta se produjeron algunas de las películas más extravagantes, violentas, y escandalosas que jamás se hayan puesto en celuloide. Y esto no sólo aplica al terror; los setenta vieron una variedad de géneros de explotación que aun al día de hoy nos parecen increíbles.

Una de las interrogantes más comunes de la gente es cómo a un fan del género del terror le puede atraer tanta violencia, que usualmente se representa de una forma muy gráfica y repugnante. La respuesta está totalmente en el tono con que se maneja la cinta.

En el caso del terror de bajo presupuesto, la exageración abunda en todos los elementos, y la violencia es sólo uno de ellos. La exageración de la sangre, lo inverosímil que resulta ver en pantalla a un zombie o un monstruo espacial, y la mala calidad de la dirección y la actuación crean una barrera imaginaria que impide una identificación con lo que estamos viendo. En este sentido, el cine de terror B funciona más como comedia, donde nos reímos de lo absurdo que resulta todo. En inglés le llaman a esto “campiness” (afectación), o el efecto de una película que “es tan mala que es buena“.

Un ejemplo interesante (y más reciente) de esta disociación en la violencia ocurre con los filmes de Quentin Tarantino, donde la violencia funciona casi como un cómic, y el efecto final es afín al de un vídeo musical. Piensen en los diálogos fascinantes pero totalmente irreales de Pulp Fiction o las sangrientas secuencias de acción en Kill Bill. Tarantino se roba, inclusive saquea (como decía una cineasta en el excelente programa En Cinta del canal 6 de televisión) imágenes, diálogos y tramas arquetípicas de la historia del cine. Estos homenajes son tan obvios e icónicos que resultan inmediatamente reconocibles, como si el director estuviera sentado a nuestro lado explicándonos de dónde sacó cada cosa. Esta total conciencia de que estamos ante un montaje es una pared invisible que evita que la violencia nos afecte personalmente.

Otro buen ejemplo de cómo el tono en una película lo es todo: Recientemente vi dos películas muy notorias del género de explotación caníbal (hey, sólo quería satisfacer la curiosidad, ¿OK?). Cannibal Ferox (1981, Umberto Lenzi) funciona totalmente como una farsa, y las escenas de “gore” resultan más graciosas que nada por el tono tan cursi del filme. Holocausto Caníbal (1980, Ruggero Deodato), por otro lado, es un asalto total a los sentidos; el tono es mucho más real, brutal y nada divertido. Lo más interesante es que en Ferox es más gráfica que Holocausto.

Otros directores utilizan la ultraviolencia sin fines de explotación como una forma de calar hondo en la audiencia, usualmente con situaciones tomadas de la realidad social. En cintas como Ciudad de Dios (2002, Fernando Meirelles), Mala Leche (2004, León Errázuriz) y Amores Perros (2000, Alejandro González Iñárritu) la violencia es gráfica y terrible, pero está al total servicio de la historia como una forma de abrirle los ojos al espectador. Piensen también, por supuesto, en la violencia de La Pasión de Jesucristo (2004, Mel Gibson). Esta diferencia en tono es lo que Margaret Ervin Bruder llama la violencia “fuerte” versus la violencia “hueca”. La violencia fuerte, dice Bruder, son aquellas “pesadillas que vale la pena tener”.

Quizás el ejemplo más impactante de una “pesadilla que vale la pena tener” lo vi en la película Irreversible (2002, Gaspar Noé) . En la escena más controversial de esta cinta, una mujer es violada sin piedad, mientras el asaltante la agarra por el pelo y le azota la cabeza una y otra vez contra el pavimento. Esta terrible escena se muestra en su totalidad, sin reparos, y es probablemente la experiencia más triste, dolorosa y aterradora que he tenido en película alguna. Ninguna otra cinta, inclusive algunas que son más gráficas, me han afectado tanto como ésta. El director cumple su propósito en obligarnos a ver una realidad que quisiéramos olvidar fácilmente. En este caso la violencia en la pantalla nos hace más sensibles a la violencia real.

Como dice el crítico de cine Roger Ebert: “Lo importante no es qué tema trata la película, sino cómo la película trata el tema”.

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